Incontriamo i più grandi sostenitori dell’animazione di Hollywood. Non sono chi pensate

Da Dan Fogelman a Sian Heder, le migliori personalità di Hollywood sostengono che film come "Inside Out 2" e "The Wild Robot" stiano cambiando positivamente la cultura

Una delle cose migliori dei film d’animazione degli ultimi anni è come siano diventati più che semplice intrattenimento: sono diventati significativi. Certo, sono ancora divertentissimi da guardare. E i bambini di 6 anni li adorano ancora. Ma molti di questi film ci dicono anche qualcosa su cosa significhi essere umani, non importa quanti anni abbiamo. Con questo in mente, The Hollywood Reporter ha deciso di scovare alcuni dei più grandi nomi dell’intrattenimento globale per scoprire quali film d’animazione sono amati in questo momento, abbinandoli in base al loro background o anche solo alle loro passioni – da Siân Heder di CODA a Dan Fogelman di This Is Us, da Jorge Gutierrez de Il libro della vita a Justin Kurzel di Snowtown e Tweedie Waititi di Matewa Media.

Abbiamo persino coinvolto una psicoterapeuta: la conduttrice radiofonica e autrice Kelli Miller (Love Hacks). Nessuno di loro ha lavorato alla creazione dei film che sostengono, ci credono solo come spettatori. Dopo aver letto le loro argomentazioni, potreste farlo anche voi.

The Wild Robot

di Dan Fogelman

‘The Wild Robot’. Foto @DreamWorks

Il mio bambino di 4 anni e mezzo, Ben, ha un rapporto complicato con le sale cinematografiche. I film? Oh, adora i film. Ben si è appassionato a Cars molto presto. (Ero uno degli sceneggiatori di quel film e ho provato grande piacere quando è diventato il suo preferito… poi l’ho presa male quando ha iniziato a farmi mandare avanti veloce “le parti parlate”). Alla ricerca di Nemo è stato un altro successo in casa nostra. Ma le sale cinematografiche… non tanto. È un’impresa complicata portarlo a vedere un film al cinema. Dobbiamo superare il momento in cui la sala si oscura per la prima volta. I trailer noiosi che non capisce. Non gli piace quando il film diventa troppo rumoroso. Né quando il film diventa troppo spaventoso.

Così, qualche mese fa, quando l’ho portato a vedere The Wild Robot – un film di cui non sapevo nulla – non avevo grandi speranze. Non mi aspettavo certo di vedere il mio film preferito dell’anno e di vivere la mia esperienza preferita di sempre in una sala cinematografica. La premessa del film è semplice: un robot di nome Roz, costruito per aiutare gli umani a svolgere “compiti”, naufraga su un’isola disabitata. Circondata da animali selvatici e dalla natura, Roz cerca di orientarsi trovando un “compito”. Si imbatte in un uovo, da cui nasce un’oca, e prende una decisione: il suo “compito” sarà quello di crescere quest’oca, che chiama Brightbill. Tra Roz e Brightbill si sviluppa un bellissimo rapporto madre-figlio, ma arriva anche una presa di coscienza. Se il nostro robot crescerà correttamente quest’oca, un giorno dovrà insegnargli a volare via da lei. Se farà il suo dovere di madre, il suo bambino alla fine se ne andrà. È un film straordinario: semplice, splendidamente realizzato, uno di quei film che ti permettono di sederti e immergerti perché è così ben fatto. Ho persino smesso di preoccuparmi per mio figlio. Non c’era niente di troppo spaventoso o rumoroso, e lui se ne stava seduto lì ipnotizzato, impegnato con il film e la sua scatola di Red Vines. Per un’ora, onestamente, mi sono dimenticato che fosse lì. E poi il film ha raggiunto un picco emotivo. È arrivato il momento per l’oca (ormai adolescente) Brightbill di volare via. La musica si è fatta incalzante. Roz ha iniziato a correre con l’oca Brightbill sulle spalle… la loro routine, ormai consolidata, di dargli una spinta per lanciarsi in aria. Qualcosa ha iniziato a salire in me, una sensazione che non provavo da tempo al cinema. E poi… Ben ha iniziato a urlare. Ha iniziato a urlare più forte che mai in un luogo pubblico: “VOGLIO LA MAMMA! MI MANCA LA MAMMA!” Gridava continuamente. Singhiozzava. Ho cercato di calmarlo inutilmente. Ho pensato che la musica fosse diventata troppo forte per lui. Non poteva essere così emotivamente coinvolto in un film a soli 4 anni. Ho dovuto portarlo fuori dalla sala. Mi ci sono voluti cinque minuti nella hall per calmarlo. Finalmente i singhiozzi si sono attenuati, poi si sono fermati. Ero in ginocchio, faccia a faccia con lui, e gli ho chiesto: “Ben, cosa è successo? Era troppo forte?”. E mio figlio mi ha guardato e ha chiesto piano: “Pensi che l’oca tornerà mai a casa dalla mamma robot?”. Sono rimasto lì, sbalordito. E naturalmente, ho iniziato a piangere. E siamo rimasti lì seduti, ad abbracciarci, nella hall del cinema di Universal CityWalk. Solo due tizi che si abbracciano e piangono per una scena di un film d’animazione. Quel giorno non siamo rientrati in sala. Ho assicurato a Ben che madre e figlio si sarebbero riuniti alla fine. Ho finito di vedere lo splendido film da solo a casa qualche settimana dopo. Come Paese, non andiamo al cinema tanto quanto facevamo un tempo. Con l’avvento dello streaming e la costante distrazione dei nostri iPhone, i singoli film (e programmi televisivi) sembrano molto più usa e getta in questi giorni. Molti nel nostro settore si sentono senza ormeggi e persi. Un ritornello che sento ripetere continuamente in questi giorni è “Qual è il punto? Niente ha importanza”. Quindi, a tutti coloro che hanno realizzato The Wild Robot: questo film è stato importante per me. Quella che è iniziata come una normale domenica al cinema con mio figlio mi ha regalato non solo il mio film preferito dell’anno, ma anche uno dei miei momenti preferiti come genitore. Che selvaggio, davvero.

Flow, (aka STRAUME), 2024. Foto @Janus Films/Per gentile concessione di Everett Collection

Ho guardato Flow di Gints Zilbalodis con i miei figli, che hanno 9 e 10 anni. In un’epoca in cui i film d’animazione sono diventati così pieni di dialoghi arguti, un sound design intenso e sequenze sovraffollate, ero curiosa di vedere come avrebbero reagito i miei figli a questa odissea senza parole di un gruppo di animali che navigano in un bellissimo mondo post-umano, verdeggiante e rigoglioso. Sono rimasti affascinati. E così anch’io. A partire dall’inondazione che dà inizio al film, sono stata travolta da una storia che è riuscita a essere allo stesso tempo carica di pericoli e ipnoticamente pacifica. Non ci sono persone in Flow e non ci sono dialoghi, solo un gatto nero, un labrador giallo, un capibara, un lemure e un serpentario, che mantengono le loro qualità e i loro comportamenti animali eppure si sentono pienamente realizzati come personaggi profondi, divertenti ed emotivamente ricchi. Come regista che ha esplorato il rapporto tra suono e silenzio in CODA, sono stata colpita dalla completa assenza del linguaggio parlato. Le relazioni di Flow nascono da un linguaggio del corpo espressivo. Il film invita il pubblico a guardare in modo diverso, a cercare indizi narrativi nei dettagli dei gesti. Richiede di partecipare alla storia e dimostra che la comunicazione non verbale può essere intensamente cinematografica. Le immagini mi sono rimaste impresse nella mente per settimane dopo averlo visto. Il paesaggio lussureggiante di un mondo appena inondato. Un mare di navi galleggianti e abbandonate. Un gatto nero che impara a nuotare attraverso un banco di pesci color arcobaleno. Una città di canali d’acqua che ti fa chiedere: “Che civiltà era questa e perché gli animali sono sopravvissuti agli umani?”. Flow è magico. È stato quasi come un sogno o un gioco open world per il modo in cui ha coinvolto la mia coscienza. In un momento di intenso tribalismo nel mondo, Flow porta un messaggio profondamente importante sulla comunità e la connessione. Sembra una meditazione su come sopravvivremo o meno alla fragilità del nostro ambiente. La bellezza del paesaggio post-apocalittico mi ha anche lasciato un senso di speranza. Se riusciremo a far sparire l’umanità, il pianeta e la natura persevereranno senza di noi. C’è qualcosa di confortante in questo pensiero. Non siamo così importanti come pensiamo di essere.

Transformers One

di Jorge Gutierrez

Brian Tyree Henry (D-16/Megatron), Scarlett Johansson (Elita-1), Chris Hemsworth (Orion Pax/Optimus Prime) e Keegan-Michael Key (B-127), protagonisti di ‘Transformers One’. Foto @Paramount Pictures

Credo fermamente che Transformers One sia destinato a diventare un film amato che invecchia come il buon vino. Segnatevi le mie parole: questo film sarà considerato un classico dell’animazione. Dubito che qualcuno si aspettasse una storia così audace, coraggiosamente profonda e sinceramente sentita, soprattutto con “Transformers” nel titolo. Devo ammettere che durante una delle mie visioni di questo film, mi sono preso un momento per guardarmi intorno nella sala, al pubblico intorno a me, tutti con gli occhi fissi sullo schermo. Mi sono sentito grato (e anche un po’ compiaciuto) che ci stessimo prendendo tutti una pausa tanto necessaria dal rumore del mondo per guardare un film insieme. E poi ho pensato ancora al rumore del mondo: la raffica ininterrotta di notizie del mondo reale in questi giorni, in ogni titolo, post sui social e e-blast letteralmente proprio fuori dalle porte del cinema, ad aspettare tutti noi. Mi chiedevo come fossimo arrivati tutti qui (a questo stato caotico di tutto ciò che sembra così triste, arrabbiato, sconvolgente, doloroso e sbagliato) e come ci si aspetti che tutti noi lo superiamo e continuiamo in qualche modo con le nostre vite. E sì, dovrei probabilmente scusarmi con i registi per essermi preso una breve pausa dal guardare effettivamente il loro film. E quando ho riportato la mente e gli occhi sullo schermo – su questo film che amo – qualcosa ha fatto clic… perché quello che Josh Cooley e il suo team hanno realizzato è a dir poco miracoloso! Di portata quasi biblica, il racconto operistico del viaggio di due amici robot alla scoperta di se stessi sembra importante, impressionante e senza tempo. Questi due ribelli, plasmati dalla loro educazione, rispondono in modi profondamente guidati dal loro carattere a esperienze che li trasformano in ciò che sono destinati a essere.

Come spettatori, assistiamo a questa evoluzione e, a nostra volta, trasformiamo per sempre la nostra percezione di questi personaggi iconici. Sullo schermo, un ribelle trova la sua causa… e l’altro trova la sua rabbia. E noi facciamo il tifo per entrambi! E la straordinaria capacità del film di fare questo mi ha fatto pensare: non possiamo fare tutti lo stesso quando usciamo da questo cinema? Non possiamo applaudire chiunque trovi la sua causa? E capire chiunque trovi la sua rabbia? E non possiamo fare il tifo per entrambi, o almeno tollerare le loro convinzioni? Come esseri umani, siamo tutti plasmati dalla nostra educazione e rispondiamo alle esperienze che ci rendono ciò che siamo, che ci trasformano letteralmente in ciò che diventeremo. E le benvenute differenze che ci rendono umani sono le cose che abbiamo in comune e che dovrebbero essere comprensibili a ognuno di noi. Pensare che l’umanità e l’emozione dei robot in questo film mi abbiano fatto collegare rapidamente questi punti è folle ed è la prova esatta del potere che i grandi film hanno di cambiare le menti, anche i film con creature di metallo eroiche giganti su Cybertron. Sarebbe stato abbastanza facile fare un film d’azione animato senza cervello che sfruttasse il marchio Transformers. Ciò che Transformers One realizza è infinitamente più difficile, più originale e più ambizioso. Si propone di trasformarsi letteralmente in un grande film e il suo pubblico in persone migliori, e su entrambi i fronti riesce trionfalmente.

Oceania 2

di Tweedie Waititi

‘Oceania 2’. Foto @Disney

Oceania 2 è importante. Lo dico categoricamente come persona che è stata incaricata di guidare la sua traduzione in te reo Maori. Non stavamo solo creando una versione doppiata di un film internazionale. Stavamo offrendo la possibilità di vedere la nostra lingua e le nostre storie rappresentate su un palcoscenico globale: una lingua che aveva subito anni di soppressione, una cultura che era stata a lungo ai margini. Oceania 2 è importante per il popolo Maori e per le altre culture del Pacifico in tutto il mondo. I realizzatori di Oceania 2 hanno coinvolto le persone della nostra comunità in questa collaborazione, non solo per fornire una traduzione/doppiaggio autentico, ma soprattutto per contribuire a infondere le nostre prospettive culturali in questa massiccia produzione internazionale. Questa collaborazione non solo ha sensibilizzato le nostre vaste comunità, ma ha anche favorito un maggiore rispetto per le culture Maori e del Pacifico sulla scena mondiale. Grazie a Oceania e Oceania 2, abbiamo assistito a un rinnovato apprezzamento per le nostre tradizioni, la nostra lingua e le nostre storie, un riconoscimento che trascende i confini. Ancora più importante, Oceania 2 ci mostra che l’eccellenza dei nostri antenati vive in noi e che vederci rappresentati in modo così monumentale non è altro che un’iniezione di fiducia. Il film ci invita a guardare al nostro passato con orgoglio e a vedere il nostro futuro con speranza. Per noi, Oceania 2 non è solo un film: parla di un movimento culturale che promuove la comprensione, la connessione e il rispetto tra le comunità. Dà vita alle voci e ai sogni dei nostri antenati in un modo che ci ha toccato il cuore. E nel farlo, ha riacceso la scintilla dell’orgoglio nel nostro popolo.

Inside Out 2

di Kelli Miller

‘Inside Out 2’. Foto @Disney/Pixar

Ricordo un tempo in cui le persone non capivano cosa fosse “l’ansia”. Era un termine vagamente definito che significava avere paura di qualcosa: parlare in pubblico, i serpenti o le altezze, forse. Oppure era l’esatto contrario: un termine più dispregiativo che significava essere in viaggio verso il più vicino “manicomio” per un esaurimento nervoso. Non che le persone non provassero ansia in quel periodo, o che non esistesse. Era semplicemente fraintesa, considerata un fallimento personale, qualcosa da tenere privato o semplicemente un tabù. C’erano persino stereotipi di genere a riguardo. Se eri una donna che lottava con l’ansia, potevi essere considerata “isterica” e se eri un uomo, ti veniva insegnato a nasconderla, poiché la vulnerabilità emotiva non era considerata un tratto maschile positivo. Ma nel complesso, se eri una persona che aveva tutto sotto controllo, come potevi essere ansioso? La verità è che tutti proviamo ansia. È un’emozione naturale, come tutte le altre. Ecco perché è stato geniale che i creatori di Inside Out 2 abbiano deciso di far luce su questa emozione naturale che oggi è più presente che mai nella nostra società. Pandemie, conflitti politici, guerre e la costante esposizione alle notizie sono solo alcune delle cose che hanno acuito i sentimenti di incertezza e paura in tutti noi. Inside Out 2 ha aggiunto altri personaggi alla formazione originale perché i suoi creatori hanno visto un bisogno. Ha dato il benvenuto ad Ansia, Invidia, Imbarazzo e Noia, oltre ai personaggi originali Tristezza, Rabbia, Paura, Disgusto e Gioia. Inside Out 2 segue ancora il viaggio di Riley, che ora è un’adolescente ma sta vivendo emozioni ancora più impegnative mentre si avventura nella pubertà e affronta le amicizie. Come psicoterapeuta, autrice e mamma di un’adolescente e di un preadolescente, Inside Out 2 è importante perché credo che sia la nostra più grande speranza per aiutare a comunicare, soprattutto ai bambini e agli adolescenti, che tutte le nostre emozioni hanno un valore e sono una necessità per aiutarci a crescere. Credo che il motivo del successo di questa serie di film, entrambe le volte, sia che è altamente riconoscibile e realistica. Al di là del genere, della razza, dell’età e della classe economica, se sei un essere umano, provi cose sia piacevoli che spiacevoli. Questo film fa un ottimo lavoro nel definire i personaggi in modo che sia gli adulti che i bambini possano identificarcisi. Possiamo non identificarci in ogni essere umano che incontriamo, ma tutti condividiamo le stesse emozioni. In altre parole, i sentimenti sono universali. Questo è il motivo per cui questo film ha una tale profondità. In Inside Out, dove veniva evidenziata Tristezza, il film ha fatto un lavoro straordinario nel descrivere che essere tristi non era né buono né cattivo. Era un’emozione che semplicemente si presentava, a volte con forza, ma poi scompariva poco dopo. Inoltre, a volte era bilanciata da altre emozioni, come Gioia e Rabbia. In Inside Out 2, ho notato la stessa visione imparziale delle emozioni, in particolare con Ansia. Non era né malvagia né lodata, ma semplicemente una parte del “quartier generale” delle emozioni del personaggio principale. Infatti, nel film, Gioia dice ad Ansia: “Non puoi scegliere chi è Riley”. È stata una battuta potente che per me ha rappresentato l’intera premessa del film: le emozioni sono una parte intrinseca di ciò che siamo, plasmate dalle nostre esperienze uniche, dalla personalità, dalla genetica e dalla biologia, ma non ci definiscono. Invece di combatterle, dobbiamo accettare tutte le parti di noi perché potrebbero persino avere uno scopo.

Memoir of a Snail

di Justin Kurzel

Da sinistra: personaggi doppiati da Sarah Snook, Dominique Pinon e Kodi Smit-McPhee in ‘Memoir of a Snail’. Foto @Arenamedia Pty Ltd

Quando Grace, addolorata, legge la lettera della defunta Pinky in Memoir of a Snail, le ricorda quanto sia importante nella vita assaporare i piccoli piaceri, uno dei quali è indossare un maglione appena uscito dall’asciugatrice. È un’osservazione così semplice ma profondamente emozionante, nostalgica ma un’esperienza umana pura e priva di sentimentalismi, che solo un maestro come Adam Elliot potrebbe farci provare. È un regista che eleva le sfumature della vita, i momenti quotidiani persi, e dà loro un palcoscenico, una dignità. Grace è un’anomalia (sembra che ce ne siano molte in Australia). Alcune sono eccentriche e belle; altre possono essere tragiche. Gli anonimi di Adam sono unici, personaggi che possono andare in entrambe le direzioni. Grace ha le sue sfide, ma non hai mai la sensazione che verrà consumata dall’oscurità; cerca costantemente la luce intorno a sé, quei piccoli santuari di speranza che esistono in lei ogni giorno. Il più grande nemico di Grace è se stessa, l’odio per se stessa. Il suo dubbio su se stessa è ciò che la imprigiona, ma Adam non usa mai le sue situazioni per crogiolarsi o essere il materiale per una storia di rimonta. Il suo trionfo è vedere come la lotta faccia parte della sua bellezza, che le ombre hanno crepe di luce, che il male può avere del buono e che le cose più piccole contengono il più grande dei trionfi.

Tutti i personaggi di Memoir of a Snail, sono vissuti magnificamente, sono esistiti, li ho visti nella mia infanzia e li vedo ancora oggi. Sono i totem e le reliquie delle nostre vite. Adam dà vita agli scartati, agli invisibili, dà ossigeno a coloro che pensiamo non abbiano una storia. I modelli sono contrassegnati. Puoi letteralmente vedere l’impronta digitale di Adam su di loro. Non vengono appropriati; ogni stampo, pennellata, decisione di design è percepita, le imperfezioni sono celebrate e non nascoste. Attraverso il modo di raccontare storie di Adam, ci permette di tornare indietro nei nostri ricordi e nelle nostre esperienze, di immergerci nel nostro subconscio per rivedere quel bambino interiore. Scompone il cinico in noi con umorismo e verità. E Memoir of a Snail, è divertente, davvero divertente; i suoi personaggi sono oltraggiosi ma mai incredibili, riescono a dire e fare tutte le cose che vorremmo ma non possiamo. Sono rinfrescanti, senza regole, grandi banditi della vita. Gli artisti australiani sono migliori quando ci dondoliamo come Adam.

Una combinazione di umorismo, pericolo, raffinatezza, un pugno con un abbraccio, il punk e il poeta. Adam è uno dei nostri grandi poeti: la sua osservazione della nostra cultura, lo specchio che sfacciatamente solleva, è spiacevolmente chiaro. Sono da tempo un ammiratore dei celebri registi del realismo sociale della Gran Bretagna — Ken Loach, Mike Leigh, Tony Richardson, Andrea Arnold — e dei sommi sacerdoti della forma belga, i fratelli Dardenne, registi feroci che guardano in profondità nei loro cortili per raccontare storie di vita reale di straordinario dettaglio e verità. In Australia, il nostro grande regista del realismo sociale è Adam, ma mentre gli altri usano ambientazioni e persone reali per raccontare le loro storie, lui trova la sua realtà e verità attraverso gli umili materiali di argilla e legno.
È un dono raro. In fondo, anche Adam è un regista raro.

Questa storia è apparsa nel numero del 9 gennaio della rivista The Hollywood Reporter.