I migliori film antifascisti di sempre

Dopo il gesto alla Hitler di Elon Musk durante l’insediamento di Donald Trump — un saluto che ha scatenato indignazione e riacceso il dibattito culturale sulla pericolosa riemersione del fascismo — non c’è momento migliore per riscoprire il cinema che ha saputo analizzare più a fondo l’autoritarsmo, la resistenza e il costo umano della tirannia. Questa lista raccoglie film da tutto il mondo, attraversando decenni e generi, per ricordarci il pericolo del potere incontrollato.

Se capolavori come Schindler’s List e Il figlio di Saul affrontano in modo devastante l’Olocausto — l’espressione più orribile delle conseguenze del pensiero fascista — e film di guerra come Quella sporca dozzina e Defiance raccontano la resistenza militare, abbiamo scelto di lasciarli fuori per concentrarci sui film che esplorano l’ideologia stessa del fascismo: i sistemi, le credenze e l’impatto sociale che permettono ai regimi autoritari di emergere e prosperare.

Da Il grande dittatore di Chaplin alla brutale provocazione di Salò di Pasolini, dall’apartheid alieno di District 9 e dal militarismo satirico di Starship Troopers fino alla commedia assurda di Jojo Rabbit, questi film non sono solo racconti di resistenza: sono esami coraggiosi del potere e dei suoi effetti corrosivi sulla società. Un viaggio per ricordare, riflettere e resistere.

American History X (1998)

Se Derek Vinyard — il furioso e violento neonazista interpretato da Edward Norton nel film di Tony Kaye sulla supremazia bianca — fosse qui oggi, sarebbe un Proud Boy appena graziato da Trump per i fatti del 6 gennaio. Nel film, viene condannato per omicidio dopo aver giustiziato brutalmente un uomo afroamericano che tentava di rubargli l’auto. La sua improbabile redenzione avviene in carcere grazie a un compagno di cella nero, interpretato con carisma e saggezza da Guy Torry. American History X non è un film sottile: la sua estetica si sofferma sulla violenza tanto quanto la condanna. Ma nelle scene che mostrano Derek e i suoi compagni skinhead mentre trovano un senso di appartenenza tra loro — perdenti insicuri in cerca di qualcosa di più grande di loro stessi — il film assume una risonanza inquietante e attuale.

L’armata degli eroi (1969)

Jean-Pierre Melville, ex combattente della Resistenza, ricrea l’invasione tedesca di Parigi con una sequenza iniziale indimenticabile: soldati nazisti marciano attraverso l’Arco di Trionfo. Quello che segue è forse il miglior film mai realizzato sulla vita sotto il fascismo. Melville ritrae il coraggio e l’eroismo della Resistenza francese — i personaggi, tratti dal romanzo di Joseph Kessel, si basano su figure reali — ma senza idealizzarli: i loro metodi ricordano quelli della criminalità organizzata. In una scena, tre membri della Resistenza strangolano un traditore con un asciugamano (un colpo di pistola attirerebbe troppa attenzione), e Melville prolunga il momento in modo straziante, mostrando il vero prezzo del sacrificio e della guerra.

Cabaret (1972)

I parallelismi tra l’ascesa del fascismo nella Berlino degli anni ’30 e la realtà dell’America di oggi rendono Cabaret un film scomodo da rivedere. Il classico di Bob Fosse, vincitore di otto Oscar, mostra come cinismo, ironia e compiacenza possano favorire razzismo ed estremismo. “Pensi ancora di poterli controllare?”, chiede il professor Brian Roberts (Michael York) all’aristocratico barone von Heune (Helmut Griem), il quale, con la stessa spavalderia di certi politici di oggi, inizialmente liquida i nazisti come “una banda di hooligan stupidi”. Liza Minnelli, nel ruolo della performer Sally Bowles, incarna il rifiuto della realtà, cantando e ballando mentre Roma brucia. “L’elezione democratica di una figura autoritaria, la normalizzazione del bigottismo, la complicità delle masse spaventate… Questo spettacolo lo abbiamo già visto”, ha scritto Joel Grey, il Maestro di Cerimonie del film, sul New York Times. “La storia ci sta dando un’altra occasione per affrontare le forze che Cabaret ci aveva avvertito di temere. La domanda è: questa volta ascolteremo, o continueremo a ridere finché la musica non si fermerà?”

Casablanca (1942)

Il classico romantico di Michael Curtiz fu concepito come propaganda antifascista. Ambientato nel 1941, quando gli Stati Uniti erano ancora neutrali nella Seconda Guerra Mondiale, ma uscito nel novembre 1942, quando le truppe americane erano impegnate nella liberazione del Nord Africa, Casablanca è una storia di trasformazione: Rick Blaine (Humphrey Bogart, iconico come mai) passa da cinico isolazionista a combattente per la resistenza. Bogart incarna l’America che vuole restare fuori dal conflitto (“Non metto il mio collo in gioco per nessuno”), ma che alla fine deve compiere una scelta morale. Quando il destino dell’umanità è in bilico, i desideri personali — come il suo amore per Ilsa (Ingrid Bergman, radiosa) — “non valgono una collina di fagioli in questo pazzo mondo”.

Va’ e Vedi (1985)

Se c’è un film che Musk — o chiunque trovi divertenti battute su Hitler o saluti nazisti — dovrebbe assolutamente guardare, è questo. Dimenticate le rappresentazioni camp e pop del fascismo, dimenticate le sottili allegorie. Il capolavoro del regista sovietico Elem Klimov sugli orrori nazisti in Bielorussia è diretto e senza compromessi, non offre tregua né conforto. Seguiamo un adolescente bielorusso che si unisce ai partigiani sognando eroismo e avventura, ma trova solo devastazione e orrore. Basato in parte sulle testimonianze di sopravvissuti, il film ci mostra la realtà attraverso gli occhi traumatizzati del protagonista. È quasi insopportabile. Ma nessun altro film racconta in modo così completo la bancarotta morale dell’espansionismo fascista.

Despair (1978)

L’impatto quotidiano del fascismo è un tema che Rainer Werner Fassbinder ha esplorato più volte nella sua vasta filmografia, da Lili Marleen, con la sua cantante divisa tra un amante ebreo e una carriera finanziata dai nazisti, a Berlin Alexanderplatz, dove un criminale cerca di redimersi in una società che si sta dirigendo verso il male, fino a Il matrimonio di Maria Braun, con protagoniste donne che prosperano nel miracolo economico tedesco post-bellico, senza mai riuscire a scrollarsi di dosso i fantasmi del passato. Despair, suo primo film in inglese, è quasi dimenticato, eppure è un’opera sorprendente: un adattamento del romanzo di Vladimir Nabokov, scritto da Tom Stoppard e interpretato da Dirk Bogarde nei panni di un emigrato ebreo russo nella Germania degli anni ’30. L’ascesa del nazismo lo conduce a un crollo mentale e a un piano assurdo per incassare un’assicurazione sulla vita: uccidere uno sconosciuto che crede (sbagliando) di essere il suo sosia perfetto. Un noir dai risvolti macabri che suggerisce come, a volte, la follia sia l’unica risposta sensata a un mondo impazzito.

District 9 (2009)

Esordendo nel 2009 con il supporto di Peter Jackson, Neill Blomkamp ha saputo mescolare il genere fantascientifico con il mockumentary satirico, ribaltando gli schemi del classico film d’invasione aliena. Il regista sudafricano non si chiede cosa gli alieni potrebbero fare a noi, ma quali orrori infliggeremmo loro se avessero la sfortuna di atterrare su un pianeta tribale e intriso di sangue come il nostro. La trama ruota attorno a un’operazione militare per trasferire un campo profughi alieno, visto dagli umani solo come un peso disgustoso e indesiderato sulle risorse — un chiaro riferimento alla rimozione forzata dei residenti non bianchi dal Distretto Sei di Città del Capo durante l’apartheid, ma un racconto che risuona ancora oggi con la realtà dei migranti e degli sfollati in un presente sempre più disumano.

El Conde (2023)

Augusto Pinochet, dittatore del Cile dal 1973 al 1990 e responsabile di innumerevoli violazioni dei diritti umani, è stato un’ombra inquietante nei primi film di Pablo Larraín (Tony Manero, Post Mortem, No). Con El Conde, il regista cileno lo porta finalmente al centro della scena. In quello che il critico capo di THR ha definito “un salto audace nell’irriverenza”, Larraín reimmagina Pinochet come un vampiro di 250 anni che ha inscenato la propria morte e continua a perseguitare la storia. Una satira politica alla Il Dottor Stranamore impreziosita dalla fotografia mozzafiato in bianco e nero di Ed Lachman. Interrogato da THR sulla possibile risonanza con la politica statunitense e su un certo despota dai toni arancioni, Larraín ha scherzato: “Beh, se Trump è un vampiro, la buona notizia per me è che è il vostro vampiro, non il mio. Noi stiamo già affrontando il nostro.”

L’Impero Colpisce Ancora (1980)

Tutto è già nel geniale tema di John Williams per Darth Vader, The Imperial March. Ecco il prototipo del fascista: una figura mascherata, meccanizzata, simbolo stesso della disumanizzazione del potere autoritario. Il suo rapporto con Luke Skywalker è un’allegoria perfetta della lotta tra controllo sistemico e libero arbitrio. Se Guerre Stellari introduce la Ribellione e i suoi eroi individualisti, L’Impero Colpisce Ancora incarna il cambio di rotta del 2025, un’epoca in cui l’estrema destra sembra risorgere ovunque.

Europa Europa (1990)

Molti film raccontano la resistenza al potere autoritario. Più rari sono quelli che parlano di chi è costretto ad adattarsi per sopravvivere. Agnieszka Holland ci porta nella storia incredibile — e vera — di Solomon Perel, nato in una famiglia ebrea tedesca emigrata in Polonia negli anni ‘30 per sfuggire al nazismo. Miracolosamente sopravvissuto all’Olocausto, Perel si finge prima comunista in un orfanotrofio sovietico, poi perfetto membro della Gioventù Hitleriana. Holland smonta con intelligenza l’assurdità dell’ideologia razziale nazista.

Grand Budapest Hotel (2014)

Sotto la sua estetica giocosa e nostalgica, Wes Anderson firma con Grand Budapest Hotel il suo film più politico: un tributo a tutto ciò che il fascismo tenta di cancellare. Lo spirito ribelle dell’adolescenza, il culto dello stile, l’ironia e la malinconia si fanno qui manifesto di civiltà in un mondo che scivola nel caos. E il concierge Gustave H. di Ralph Fiennes lo dice meglio di tutti: “Ci sono ancora flebili bagliori di civiltà in questo macello barbaro che una volta si chiamava umanità.”

Il Grande Dittatore (1940)

Charlie Chaplin decise di realizzare Il Grande Dittatore dopo aver visto Il trionfo della volontà di Leni Riefenstahl. Il risultato? La satira più influente di Hollywood e il più grande successo commerciale della carriera del regista. Chaplin interpreta sia il tiranno fascista che il barbiere ebreo che viene scambiato per lui. Il film anticipò il sentimento anti-tedesco in America prima dell’entrata in guerra, divenendo un successo persino nell’Europa occupata. Chaplin, tuttavia, si pentì in seguito di aver deriso i nazisti, scrivendo nella sua autobiografia che, se avesse conosciuto l’orrore dei campi di concentramento, non avrebbe mai trattato il tema con leggerezza.

The Host (2006)

Mescolando la grande tradizione di Godzilla con la commedia nera e il melodramma familiare più scanzonato, Bong Joon Ho non è mai stato così spielberghiano come in The Host, creando un mostro cinematografico destinato a rimanere nella storia, ma con ben altro in mente oltre al semplice spettacolo visivo. Dopo che un medico militare americano ordina di versare litri di formaldeide in uno scarico che finisce nel fiume Han di Seul, nasce una gigantesca creatura simile a una lumaca killer. Al centro della storia c’è la famiglia Park, goffa e di umili origini, che si ritrova a combattere la bestia dopo che questa ha rapito la loro figlia e l’ha portata nel suo covo. Ma ben presto la risposta del governo all’incidente si rivela altrettanto spaventosa quanto il mostro stesso: quarantene imposte arbitrariamente, manipolazione dei media, restrizione delle libertà individuali e una paranoia dilagante. Se Parasite ha analizzato il capitalismo in fase terminale attraverso la lente di una famiglia di truffatori, The Host esplora il modo in cui uno Stato può arrivare a considerare la propria popolazione come un agente contaminante da eliminare o da controllare.

Ida (2014)

Uno dei tanti temi che risuonano nel devastante e silenzioso vincitore dell’Oscar di Pawel Pawlikowski è il ruolo della memoria — pubblica e privata — nella perpetuazione della violenza autoritaria. Siamo nella Polonia degli anni ’60 e Anna, una giovane novizia, è sul punto di prendere i voti quando viene mandata a conoscere l’unico parente ancora in vita: sua zia Wanda. Ex combattente della resistenza comunista diventata giudice di Stato, Wanda è nota per aver mandato a morte numerosi “nemici del popolo”. Ed è lei a rivelare ad Anna di essere ebrea. Il suo vero nome è Ida Lebenstein, e i suoi genitori, inizialmente nascosti da cristiani durante l’occupazione nazista, furono poi traditi e uccisi. Le due, diversissime, intraprendono un viaggio nella campagna polacca alla ricerca della verità. Girato in un bianco e nero mozzafiato e nel formato quadrato dell’Academy (che Pawlikowski avrebbe riutilizzato in Cold War), Ida esplora il modo in cui dimenticare o distorcere il passato può portare alla ripetizione della violenza di Stato. Ma non offre risposte facili su come un Paese, una volta caduto nel fascismo, possa mai ricostruirsi davvero.

Indiana Jones e l’ultima crociata (1989)

«Nazisti. Li odio.» I predatori dell’Arca perduta aveva stabilito la formula, ma L’ultima crociata l’ha scolpita nella pietra con questa battuta iconica di Harrison Ford: una frase che strappa una risata, svela un punto chiave della trama (sì, ci sono di nuovo i nazisti!) e ribadisce un principio fondamentale della saga: Indiana Jones è al suo meglio quando affronta il Male assoluto. Vi ricordate quei tempi? Quando era scontato considerare i nazisti come i cattivi per antonomasia (sì, cattivi e basta), e invece di oligarchi sudaticci che giocano con il saluto hitleriano, avevamo registi geniali come Steven Spielberg che riportavano in vita questi classici villain del cinema per regalarci puro intrattenimento avventuroso — quel tipo di divertimento che, per definizione, non è nemmeno concepibile sotto un regime fascista e che rimane il miglior biglietto da visita del mondo libero.

Bastardi senza gloria (2009)

Ovviamente, il più grande cinefilo della storia sa meglio di chiunque altro la regola d’oro di Hollywood (prendi nota, Elon…): i nazisti sono sempre i cattivi. Il primo della sua trilogia di storie alternative esilaranti, Bastardi senza gloria di Tarantino è un concentrato di revisionismo esplosivo: Eli Roth nei panni dello spietato Orso Ebreo armato di mazza da baseball, Christoph Waltz in una performance perfetta nei panni dell’incarnazione del rigore tedesco declinato nel male assoluto, e quell’indimenticabile flash-cut di Joseph Goebbels che ansima come un maiale impazzito in preda a un furioso amplesso. Ma è il finale, con il massacro della leadership nazista dentro un cinema, a rappresentare l’uso più delirantemente trasgressivo della violenza cinematografica da parte di Tarantino, dai tempi di Pulp Fiction.

Joint Security Area (2000)

Il primo grande successo di Park Chan-wook è un thriller mozzafiato ambientato lungo la DMZ coreana, dove uno scontro a fuoco tra Nord e Sud si trasforma in una tragedia. Ma il vero colpo di scena non è un elaborato complotto di spie: i soldati nemici coinvolti erano in realtà amici, uniti da notti di guardia passate insieme tra chiacchiere e momenti di silenziosa intesa. Quando un superiore scopre il loro legame, è l’inesorabile logica del conflitto politico a scatenare il panico e la violenza. Il divo sudcoreano Song Kang-ho (Parasite, Memorie di un assassino) ha infranto barriere interpretando l’eroe nordcoreano, passando mesi a studiare il dialetto settentrionale con l’aiuto di veri disertori. All’epoca, JSA fu il più grande successo al botteghino sudcoreano di sempre e il primo film del Paese a ritrarre un personaggio nordcoreano con complessità umana. «Fino ad allora, i nordcoreani erano descritti solo come mostri, demoni o esseri denutriti. Il governo autoritario e anticomunista imponeva questa visione», ha ricordato Park in un’intervista a THR. «Era importante mostrarli come persone normali.»

Jojo Rabbit (2019)

Aggiornando il concetto de Il grande dittatore di Chaplin — inquadrare l’ideologia nazista dal punto di vista ingenuo di un bambino per ridicolizzarla e svuotarla di potere — Taika Waititi realizza una “satira anti-odio” su Johannes (Roman Griffin Davis), un ragazzino tedesco il cui amico immaginario è Hitler (Waititi in versione totale cialtrone). Un’idea audace che funziona soprattutto in scene come il montaggio di Il trionfo della volontà con i Beatles che cantano in tedesco o la rappresentazione di Hitler come un’icona pop. Forse un po’ troppo tenero e zuccheroso per un film sul fascismo, ma Jojo Rabbit, con il suo stile cartoonesco, svela l’assurdità di un sistema malvagio.

Leviathan (2014)

Il capolavoro visivo e soffocante di Andrej Zvjagincev sulle miserie e le ingiustizie della Russia di Putin è epico quanto il suo titolo suggerisce. Il film alterna umorismo nero, fotografia mozzafiato della natura e alcune delle più estreme e, paradossalmente, giustificate ubriacature mai viste sullo schermo. Attraverso una sequenza di devastanti degradazioni, seguiamo il testardo Nikolay Sergeyev nella sua lotta contro il sindaco corrotto che vuole espropriargli la casa, mentre il sistema cleptocratico gli porta via tutto: casa, famiglia, dignità e libertà. Con la colonna sonora di Akhnaten di Philip Glass, il film è un mix di riferimenti biblici e hobbesiani, ma al di là del raffinato gioco cinefilo, è un’accusa feroce e senza freni alla corruzione autoritaria che ha avvelenato ogni aspetto della vita pubblica russa.

Le vite degli altri (2006)

Un’analisi approfondita di come i sistemi autoritari si basino sulla paura e sulla collaborazione silenziosa per funzionare. Il debutto da Oscar di Florian Henckel von Donnersmarck adotta il punto di vista di un agente della Stasi nella Germania Est (Ulrich Mühe, fenomenale) che, nel corso delle intercettazioni di un artista dissidente, vive un risveglio morale e decide di combattere il sistema dall’interno. Un potente inno su come l’arte e l’empatia possano sfidare il potere politico.

Mephisto (1981)

Klaus Maria Brandauer è elettrico in questo film vincitore dell’Oscar, interpretando un attore tedesco furiosamente ambizioso che vede nella salita al potere dei nazisti un’opportunità d’oro, abbandonando qualsiasi bussola morale per fama e successo. L’adattamento di István Szabó del romanzo satirico di Klaus Mann (ispirato, pare, a suo cognato Gustaf Gründgens, attore e collaboratore nazista) è un pugno nello stomaco, specialmente per quegli ambienti hollywoodiani che si vantavano di essere “la resistenza” dopo le elezioni del 2016 e che ora, improvvisamente, tacciono. Come mostra Szabó, i regimi fascisti sono maestri nell’attrarre e corrompere gli artisti, rendendoli complici nell’abilitazione dell’ideologia totalitaria.

Minority Report (2002)

L’anno è il 2054. Steven Spielberg è dietro la macchina da presa e Tom Cruise è in fuga — come sempre, con la sua tipica corsa fulminea — in un intrigo distopico degno di Philip K. Dick. Lo Stato di polizia ha sviluppato un sistema infallibile per rilevare i pre-crimini, grazie a tre esseri umani precognitivi che fluttuano in una vasca, le loro onde cerebrali monitorate da supercomputer che filtrano pensieri di omicidi premeditati. Se un crimine è intenzionato, la polizia interviene per arrestare il colpevole prima ancora che agisca. I guanti di Cruise che manipolano ologrammi — incredibili nel 2002 — oggi sembrano quasi datati. Ma l’avvertimento di Minority Report su un autoritarismo tecnologico che opera al di là della comprensione umana è più urgente che mai, in un’epoca di intelligenza artificiale in continua espansione.

Moffie (2019)

Chi vuole capire il tipo di società che può generare un Elon Musk dovrebbe guardare questa perla nascosta del regista sudafricano Oliver Hermanus. Siamo nel 1981, in un Sudafrica in cui l’omosessualità è ancora un crimine. Un giovane gay non dichiarato viene chiamato per il servizio militare obbligatorio e subisce umiliazioni, vergogna e violenza psicologica estrema. Il titolo deriva da un insulto omofobo afrikaans. Basato sull’autobiografia di André Carl van der Merwe, il film mostra il legame tra oppressione razziale e sessuale e la brutalità sistemica che le alimenta entrambe.

1900 (1976)

Ci sono tanti capolavori italiani che raccontano la vita sotto il fascismo — Il giardino dei Finzi-Contini di De Sica, Una giornata particolare di Ettore Scola, La notte di San Lorenzo dei fratelli Taviani — ma pochi riescono a eguagliare la potenza di Novecento di Bernardo Bertolucci. Robert De Niro e Gérard Depardieu interpretano due uomini nati agli estremi opposti della scala sociale: Alfredo (De Niro) è un ricco proprietario terriero, Olmo (Depardieu) un bracciante illegittimo. Amici d’infanzia, vengono divisi dalla lotta di classe che porterà all’ascesa del fascismo. Lungo (molto lungo: a seconda della versione, dura quattro o cinque ore), operistico e profondamente sensuale, il film esprime chiare simpatie marxiste senza scadere mai nella retorica. Al centro, Novecento esplora le radici del fascismo nell’ineguaglianza economica e nelle tensioni sociali, sottolineando come la scelta individuale — resistere o conformarsi — faccia la differenza.

Il labirinto del fauno (2006)

Nel cuore di una foresta spagnola, durante gli anni più bui della dittatura franchista, Guillermo del Toro trasforma il mondo interiore di una bambina in una favola oscura su potere, corruzione e resistenza. Mentre Ofelia affronta prove magiche nel suo universo fantastico, la sua lotta si riflette nella resistenza repubblicana sotterranea. Con la sua maestria visionaria, del Toro intreccia mito personale e memoria storica, suggerendo — come in quasi tutti i suoi film fantastici — che l’immaginazione stessa è un atto rivoluzionario.

Peppermint Candy (1999)

Un film criminalmente sottovalutato del maestro coreano Lee Chang-dong. È, insieme, un esperimento formale straordinario, un devastante studio psicologico e una riflessione su come i regimi fascisti continuino a contaminare una nazione per generazioni. La storia inizia con un uomo di mezza età (Sul Kyung-gu) che si suicida gettandosi davanti a un treno, mentre i suoi ex compagni di scuola, radunati per una rimpatriata, assistono inorriditi. Da lì, il film procede all’indietro, rivelando sei momenti chiave che hanno portato l’uomo alla distruzione. Il viaggio, che culmina nel periodo più oscuro della dittatura militare sudcoreana degli anni ’80, è un lento svelarsi della tragedia, che diventa ancora più struggente quando si torna alle origini: un giovane innocente, ignaro del destino che lo aspetta.

Persepolis (2007)

L’adattamento animato della graphic novel autobiografica di Marjane Satrapi è un ritratto intimo e spesso esilarante del totalitarismo. Prima della Rivoluzione Islamica, la piccola Marjane ascoltava punk, idolatrava Bruce Lee ed era cresciuta in una famiglia di sinistra, laica e benestante, che disprezzava la dittatura dello Scià. Quando il nuovo regime islamico prende il potere, le speranze di cambiamento si trasformano in un nuovo incubo autoritario. Troppo sfumato e intelligente per essere liquidato come semplice propaganda anti-iraniana — Persepolis mostra anche il sessismo e il razzismo dell’Occidente quando la protagonista fugge all’estero — il film è una critica equilibrata di ogni forma di fondamentalismo, sia islamico che occidentale.

Porco Rosso (1992)

Se c’è una costante nella carriera di Hayao Miyazaki, è la sua passione per il volo come metafora della libertà. E Porco Rosso porta questa ossessione al centro della scena. Ambientato nel 1929 sulla costa adriatica italiana, il film racconta di un ex pilota della Prima Guerra Mondiale, trasformato misteriosamente in un maiale antropomorfo che continua a volare come cacciatore di taglie. È stato maledetto per il senso di colpa da sopravvissuto? O ha scelto di diventare un maiale per sottrarsi alla retorica nazionalista dell’Italia fascista? Miyazaki non lo dice esplicitamente, ma la risposta è chiara quando Porco rifiuta un’offerta per tornare nell’aeronautica italiana con un lapidario: «Meglio un maiale che un fascista.»

Il fiore all’occhiello della signorina Jean Brodie (1969)

La zona d’interesse (2023)

Ci sono molti film sconvolgenti sull’Olocausto, ma Jonathan Glazer in La zona d’interesse sposta l’attenzione dagli orrori del genocidio all’indifferenza morale che li ha resi possibili. Il film ritrae la quotidianità apparentemente ordinaria di Rudolf e Hedwig Höss — comandante di Auschwitz e sua moglie — mostrando la loro vita domestica mentre, oltre il muro del loro giardino, l’industria della morte procede senza sosta. Non vediamo mai direttamente i forni crematori, ma li sentiamo, sempre presenti, come un rumore di fondo assordante. “Tutte le scelte fatte per questo film sono state pensate per confrontarci con il presente, non per dire ‘guardate cosa hanno fatto allora’, ma per dire ‘guardate cosa facciamo ora’,” ha detto Glazer nel suo discorso agli Oscar. La zona d’interesse non è solo un film sulla Shoah, ma un monito su come la disumanizzazione possa insinuarsi nella vita di tutti i giorni, in qualsiasi epoca.