“L’Animazione È il Tipo di Narrazione Più Senza Tempo”: Moana 2, The Wild Robot e il Tavolo Rotondo sull’Animazione

In un mondo sempre più polarizzato, complesso e spaventoso, i film d’animazione sono uno degli ultimi rifugi di pura gioia collettiva. Le divisioni tra rossi e blu, destra e sinistra, woke e deplorevoli svaniscono quando ci riuniamo collettivamente in una sala cinematografica per ascoltare storie di emozioni interiori trasformate in cartoni spiritosi, per guardare le avventure di dèi elementari e robot senzienti (o nani da giardino senzienti), per riflettere sulle meraviglie della creatività del mondo reale attraverso il mezzo dei mattoncini per bambini.

THR ha invitato i registi di alcuni dei più grandi e chiacchierati film d’animazione della stagione dei premi di quest’anno — Josh Cooley, regista di Transformers One di Paramount; Kelsey Mann, il regista di Inside Out 2 di Pixar, il film d’animazione con il maggiore incasso di sempre; Dana Ledoux Miller, uno dei registi di Moana 2 di Disney (insieme a David Derrick e Jason Hand); Morgan Neville, che ha diretto Piece by Piece, il documentario animato Lego di Focus Features sulla vita di Pharrell Williams; Nick Park, co-regista (con Merlin Crossingham) del film in stop-motion di Netflix Wallace & Gromit: Vengeance Most Fowl; e Chris Sanders, regista di The Wild Robot di Universal Pictures — per parlare di ispirazione personale, sfide tecniche (incluso girare il primo affare di droga in Lego) e perché, nonostante la minaccia imminente dell’IA, il futuro dell’animazione appare più luminoso che mai.

Forse potremmo iniziare con la domanda su come vi siete innamorati del cinema. Qual è stato il film che vi ha fatto venire voglia di diventare registi?

CHRIS SANDERS: Beh, c’è il cinema d’animazione, e poi c’è il cinema-cinema. Direi che il cinema-cinema, probabilmente, è It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World del 1963. Che film! Tutto girato in camera, gente che vola con gli aerei attraverso i cartelloni pubblicitari. La scena vecchio stile nell’aereo con Mickey Rooney. Santo cielo. L’ho appena rivisto. Lo guardo una volta all’anno. Sì, quello è un film.

KELSEY MANN: Per me è stato sicuramente Star Wars del 1977. Penso che se ho un ricordo fondamentale, sicuramente venga da Star Wars perché l’ho visto quando avevo 5 anni. Potrebbe essere uno dei miei ricordi più antichi.

MORGAN NEVILLE: Il mio ricordo più antico di aver visto un film è stato Willy Wonka e la fabbrica di cioccolato del 1971. Mi ha semplicemente sbalordito. E non pensavo di fare film all’epoca, ma è divertente perché ho parlato di quel film e lo cito anche nel film che ho appena realizzato. Quindi è qualcosa che si completa in un cerchio.

DANA LEDOUX MILLER: Direi che La principessa sposa del 1987 è probabilmente uno dei primi film che ho visto e che ha davvero cambiato il modo in cui pensavo alla narrazione, anche da giovane. Era semplicemente così divertente e emozionante, e penso che mi abbia fatto entusiasmare nel guardare i film. Ma anche La sirenetta del 1992. So che sono nella casa di Disney in questo momento, ma giuro che non mi stanno dicendo di dire queste cose. Sono cresciuta con La sirenetta, Aladdin del 1993 e Il re leone del 1994. Quello era il periodo d’oro per me da bambina, e ricordo ancora di aver visto quei film al cinema e di aver voluto far parte di quelle storie.

JOSH COOLEY: Il film che mi ha fatto venire voglia di diventare regista è stato Chi ha incastrato Roger Rabbit del 1988. L’ho amato, amato tantissimo. È arrivato nel momento giusto per me. Ma prima di quello, il primo ricordo che ho di essere andato al cinema è stato guardando E.T. l’extra-terrestre del 1982. Lo ricordo così chiaramente perché è stato il primo momento in cui ho davvero provato qualcosa di emotivo guardando il grande schermo. Poi ho guardato mio padre e ricordo di averlo visto piangere. Penso che sia stata la prima volta, e una delle poche, che l’ho visto piangere davvero.

NICK PARK: Stavo appena iniziando a fare animazione stop-motion da bambino con una cinepresa 8mm. E ho visto per la prima volta Giasone e gli Argonauti del 1963, con gli effetti visivi di Ray Harryhausen. Tutte quelle creature che prendevano vita, la lotta con gli scheletri e tutto il resto. Sono rimasto sbalordito. C’è una scena in Argonauti in cui rubano qualcosa sotto la statua di Talos, e c’è un’inquadratura in cui Ray Harryhausen anima la testa della statua che prende vita. Fa: “Errr!” È la cosa più semplice, ma mi ha fatto venire i brividi. L’ho usata per i gnomi nel nuovo film.

Chris, con The Wild Robot, qual era l’idea centrale della storia che ti ha colpito?

SANDERS: Con The Wild Robot, sicuramente il libro di Peter Brown del 2016, che racconta di un robot smarrito. Ovviamente, adoro i robot, e l’idea di un robot che non sa nemmeno di essere smarrito è davvero affascinante e coinvolgente. Ma la parte centrale era la storia della mamma [voce di Lupita Nyong’o]. Non mi capita mai di lavorare su cose del genere. L’idea al centro di The Wild Robot era una mamma, e per me quella è stata una sfida davvero intrigante e coinvolgente.

Josh, sono stati i robot a spingerti verso Transformers One?

COOLEY: L’idea era che questo film fosse completamente diverso da tutti gli altri film di Transformers perché si svolge solo su Cybertron, il pianeta di origine dei Transformers. Non ci sono esseri umani coinvolti. Quindi ha permesso ai personaggi di uscire direttamente dai personaggi che ho visto crescere. Ma si trattava anche della relazione tra i due protagonisti, che da amici diventano nemici. Ho adorato la semplicità di questo. Questo tema attraversa alcuni grandi film classici: Spartacus del 1960, I dieci comandamenti del 1956. Pensavo che se questa fosse stata un’opportunità per fare un film di fantascienza su un altro pianeta, ma anche per raccontare una grande epica con la storia più umana mai raccontata con questi personaggi, dovevo assolutamente cogliere l’occasione.

LEDOUX MILLER: Posso solo dire grazie? Perché i miei figli hanno adorato il tuo film. Alla fine ho dovuto fare dei costumi da Transformer per Halloween quest’anno. E si trasformano davvero. Sono stati un grande successo, ma non ho mai lavorato così tanto in tutta la mia vita!

Dana, Moana 2 è il tuo primo lungometraggio da regista. Cosa volevi mantenere dal primo film e cosa volevi espandere o trasformare con il tuo film?

LEDOUX MILLER: Il primo film ha davvero cambiato la mia vita in molti modi. È stato il primo film Disney con una principessa come Moana. Io sono samoana, e non abbiamo mai avuto una superstar polinesiana come lei. E inoltre, era una donna. Ricordo di aver visto quel film e aver pensato che Moana avrebbe cambiato il modo in cui avrei camminato nelle stanze e proposto storie. Non sapevo che otto anni fa sarei stata parte nel raccontare la sua storia. In realtà, ho co-scritto anche il prossimo Moana in live-action. Stavo lavorando su di esso quando sono passata al sequel.

Quel primo film riguarda davvero il suo legame con il passato e la ricerca di sé, che, in molti modi, mi ha aiutato a fare. Per Moana 2, ho pensato molto a cosa significhi per una giovane donna che è appena diventata leader della sua comunità — qual è il passo successivo? Senza reinventare completamente quel viaggio dal primo film, ci siamo concentrati nel fare in modo che Moana stesse ancora crescendo. Non cambiando il nucleo fondamentale di chi è, ma espandendo su quello.

Nick, hai parlato un po’ delle difficoltà nel realizzare il primo lungometraggio di Wallace & Gromit, Wallace & Gromit: La maledizione del coniglio mannaro del 2005, nel raccontare una storia molto britannica all’interno del sistema degli studi con DreamWorks. Hai affrontato sfide simili nel realizzare questo nuovo film con Netflix?

PARK: Stranamente, questo film è stato incredibilmente rapido da realizzare. Ci sono voluti 15 mesi di riprese. Il nostro tempo medio per i lungometraggi è di circa 18 mesi. Non ricordo alcun problema, a dire il vero. Potrebbe essere che sono ancora in jet lag e la mia mente è un po’ confusa adesso. Ma i ragazzi di Netflix sono stati molto rispettosi dell’eredità di Wallace & Gromit e della sua britannicità. È stata una grande curva di apprendimento con DreamWorks, e mi è piaciuto sotto molti aspetti, ma è stato abbastanza difficile mantenere le nostre radici. Stavamo più attenti questa volta, sapendo che il linguaggio, gli accenti non potevano essere troppo oscuri. Dovevamo essere un po’ più sensibili perché non volevamo avere sottotitoli per il pubblico di lingua inglese.

Morgan, questo è il tuo primo lungometraggio d’animazione. Perché raccontare la storia di Pharrell Williams con un’animazione Lego?

NEVILLE: Beh, guardando indietro ai film che ho realizzato, molti di loro hanno trattato della creatività e del processo creativo. Penso alla creatività delle persone come a una sorta di superpotere. E Pharrell è qualcuno che è stato così creativo in tanti modi che volevo fargli tante domande su questo, perché ha dovuto fare i conti con il bilanciamento dei suoi istinti creativi con un mondo che ti dice il contrario, ti dice che sei troppo strano o troppo mainstream, o qualsiasi altra cosa. Ma farlo con Lego è diventato l’opportunità non solo di parlare di creatività, ma di essere un atto creativo di per sé. Come possiamo inventare un nuovo tipo di film ibrido in un certo senso? Sentivamo continuamente di dover capire la grammatica di ciò che potevamo fare in un film come questo. È stato incredibilmente divertente da fare e interessante, ma anche riflessivo per Pharrell, perché lui è un pensatore magico. L’idea è letteralmente venuta da lui nella prima conversazione che ho avuto con lui. Gli è sembrato organico.

COOLEY: Ho una domanda a proposito, perché ho visto il tuo film, ed è incredibile come visualizzi il suono così bene. Pharrell parla di come ha la sinestesia, vede la musica nei colori, è una cosa molto visiva. Come avresti fatto a rappresentarlo senza Lego?

NEVILLE: Non so come avresti potuto farlo. Voi, come animatori, avete tutte queste possibilità, ma normalmente se il tuo personaggio principale ha la sinestesia, dove vede il colore quando sente il suono, non potresti farlo in un documentario. Ma nell’animazione, sembra totalmente organico. È diventato una di quelle chiavi importanti per cui abbiamo deciso di fare il film in questo modo. Potevo chiedere a Pharrell: “Come appare questo beat? Di che colore è questo beat?” E lui me lo diceva. Quindi tutti i beat e i colori nel film sono precisi rispetto ai colori che lui vede nella sua mente. Questo è il modo in cui lui vede i suoi suoni.

Kelsey, Inside Out 2 è stato il tuo primo lungometraggio d’animazione da regista. Pete Docter, capo creativo di Pixar, ha detto prima dell’uscita: “Se non funziona, dovremo cambiare tutto su come lavoriamo a Pixar.” Com’è stato sentire il peso del futuro dell’industria dell’animazione sulle tue spalle?

MANN: Pete Docter, che ha diretto il film originale, è stato lui a venire da me per chiedermi di farlo. All’inizio, mi sentivo molto entusiasta e gioiosa. Onestamente, non pensavo che avrei mai avuto questa opportunità di dirigere un film, in qualsiasi posto, tanto meno a Pixar. Quindi quando me l’ha chiesto, ero molto eccitata. Ma poi, hai ragione. Il peso di tutto è arrivato. È divertente guardare indietro a quel periodo — ora che il film è finito e fuori, posso vedere che mi sentivo sicuramente gioiosa ma anche molto ansiosa durante questo progetto. E ho messo questa sensazione sullo schermo. È davvero una battaglia tra la mia gioia e la mia ansia, che è un po’ l’intera trama del film.

Josh, come sei riuscito a portare temi come la coscienza di classe, le fake news o i diritti civili in un “film per bambini” come Transformers One?

COOLEY: Portando Transformers sul loro pianeta, ho subito creato l’idea di come fosse strutturata la nostra società. Dovevo fare in modo che il loro mondo fosse il più possibile in relazione al nostro, perché è così alieno. Poiché Orion Pax e D-16 sono degli emarginati che inizialmente non hanno la capacità di trasformarsi, li ho immediatamente messi in una classe sociale bassa. Il classismo è venuto fuori lavorando sulla storia, e poi è nata l’idea di avere un leader che fosse in grado di formare questa struttura sociale. Non mi sono proposto di dire: “Voglio parlare di questo tema e di quest’altro”. È cresciuto gradualmente dall’idea di essere su un altro pianeta e vedere la società. Ma anche, abbiamo iniziato a fare questo film nel 2020. Letteralmente il mio primo giorno sul film è stato quando il mondo si è fermato. Quindi c’era molto in gioco e c’era molto da portare dalle nostre storie personali nel film.

Ci sono dei temi che gli studi rifiutano categoricamente quando si parla di animazione?

LEDOUX MILLER: Non è stata affatto la mia esperienza. Non volevo raccontare una storia su di me mentre crescevo e su cosa significa mentre il mondo cambia tutto intorno a te, ma è diventata quella storia. E tutti a Disney sono stati davvero di supporto. Non c’è mai stato un momento in cui qualcuno abbia detto: “Non puoi raccontare questa cosa in una storia per bambini”. Tutti capiscono l’incarico quando vieni a raccontare una storia Disney, ma non c’è mai stato un momento in cui volevamo parlare dall’alto verso il nostro pubblico.

SANDERS: Sono assolutamente convinto che tu possa raccontare qualsiasi storia su qualsiasi argomento. Possono essere temi difficili. L’importante è essere consapevoli di come li stai trasmettendo e non escludere nessuna parte del tuo pubblico.

NEVILLE: Poiché mi occupavo di molte tematiche reali, abbiamo avuto molti dibattiti. Abbiamo una scena di Black Lives Matter in Piece by Piece. Abbiamo discusso molto su quanto mostrare e non mostrare. Penso che abbiamo realizzato il primo affare di droga in Lego mai visto al cinema. Sapevamo che non avremmo animato cose come Snoop Dogg con un joint di Lego, ma dovevamo trovare dei modi, in tutte queste situazioni, per far sì che gli adulti lo capissero in un certo contesto, ma che i bambini potessero vederlo e funzionasse per loro, senza che necessariamente dovessero capire tutto ciò che veniva raccontato.

Entrambi i film di Chris e Nick trattano direttamente il tema dell’intelligenza artificiale, che è ovviamente un argomento enorme nel mondo dell’animazione. Jeffrey Katzenberg ha detto che l’AI generativa potrebbe significare la fine per il 90% dei posti di lavoro nell’animazione. Quali sono le tue speranze e paure per l’AI?

PARK: Io non sono proprio un esperto di tecnologia. Il mio collega regista Merlin Crossingham probabilmente potrebbe dire molto di più su questo. Ma in Wallace & Gromit, la tecnologia in realtà sono degli gnomi automatizzati. È un po’ un mondo caricaturale, fatto tutto attraverso la commedia. La tecnologia sembra adattarsi molto alla commedia — la quantità di volte che le cose vanno storte. Se c’è un messaggio nel film, riguarda più la nostra relazione con la tecnologia e se questa migliora la nostra umanità o, in qualche modo, la toglie. Cerchiamo di non essere troppo netti su questo. Una delle imperfezioni di Wallace è che crede nella tecnologia. Gromit rappresenta, in un certo senso, il tocco umano, che è anche il livello meta del film, con l’animazione fatta a mano. Wallace è un personaggio imperfetto, e penso che sia per questo che ci piace, perché — parlando almeno per me — siamo tutti un po’ come Wallace in quel modo auto-ingannato in cui crediamo che le cose ci porteranno più felicità. Ovviamente, la tecnologia e l’AI hanno molti vantaggi, e stanno andando avanti. Ma il mio film riguarda semplicemente l’idea di stare attenti. Se c’è un messaggio, è proprio questo. E poi, non fidarsi dei pinguini [un riferimento al nemico di Wallace e Gromit, l’uccello incapace di volare Feathers McGraw].

COOLEY: Non so molto sull’AI, ma quello che so è che otterrai solo quello che ci metti dentro. Se questo significa che ci ritornerà la stessa roba rigurgitata, ci costringerà a fare film ancora migliori e più emozionanti. Penso a Everything Everywhere All at Once [del 2022]. Nessun computer avrebbe potuto fare quello. È pazzesco. E lo stesso vale per Longlegs di quest’anno. Le cose che amo sono così nuove e originali che so che possono venire solo dalle persone.

LEDOUX MILLER: Tanto di ogni grande film che amiamo nasce da un incidente felice. Sono due persone che lavorano in una stanza. Nel nostro caso, abbiamo Mini Maui [un tatuaggio senziente del demigod Maui], che è disegnato a mano su CG. È un processo complicato che funziona perché siamo in una stanza cercando di capire se è un fotogramma più alto o uno più basso, e improvvisamente ci viene fuori una battuta che prima non avevamo.

PARK: L’AI capirà mai l’ironia e l’assurdità?

NEVILLE: Stavo parlando con un amico compositore che mi stava mostrando queste nuove app di AI. E mi ha detto: “Probabilmente questo cancellerà il 50% del lavoro dei compositori.” Penso che quello di cui stiamo parlando tutti, che è fare arte realizzata a mano, sia assolutamente di valore. Mi preoccupo di più del gusto delle persone e se le persone si preoccuperanno della differenza. Penso che, se vuoi solo tornare a casa alla fine della giornata e farti generare un nuovo episodio di Golden Girls o qualcosa del genere da un’AI, va bene, anche se sarà solo mediocre.

MANN: Sono sicura che ci saranno ancora persone che vorranno cose create dall’AI, ma ci sarà un sacco di gente che vorrà l’opposto. Nick, una delle cose che amo del tuo film è vedere le impronte delle dita nell’argilla. Mi piace tantissimo. E penso che le persone vorranno sempre più questo.

SANDERS: La questione dell’AI è sorta proprio mentre stavamo finendo The Wild Robot. Certamente non c’era quando è stato scritto il libro, ma la nuova tecnologia digitale ci ha permesso di far rientrare di nuovo le persone nel processo. Nel nostro caso, avevamo sfondi dipinti al 100% da persone. Proprio come in Il Re Leone, proprio come in Lilo & Stitch [del 2002]. Non abbiamo avuto questa possibilità per tanto, tanto tempo — per decenni. La gente ha reagito in modo così positivo all’atmosfera del film, e credo che ciò sia dovuto in gran parte al fatto che c’è una quantità enorme di umanità che è stata versata in ogni sfondo. Si sente assolutamente. Questo mi ha dato molta speranza per l’elemento umano che resta presente in queste cose.

Morgan: Hai portato uno stile documentaristico nella tua animazione. C’è anche del materiale d’archivio che sembra registrazioni VHS d’epoca. Come sei riuscito a ottenere quel look in Lego?

NEVILLE: Nei documentari, c’è materiale d’archivio e si passa continuamente tra diverse proporzioni dell’immagine e tutto il resto. Volevo mantenere tutto questo. Così abbiamo fatto molti test su come ottenere quell’effetto archivio. Ci sono vari plug-in che si possono usare e cose che si possono fare in post-produzione. Abbiamo provato un po’ di tutto, ma, onestamente, quello che abbiamo fatto alla fine è stato prendere i fotogrammi, quelli finiti in 4K, esportarli su VHS e poi reimportarli. Quei fotogrammi sono stati effettivamente registrati su una cassetta VHS e poi reimportati nel film, perché sembravano migliori di qualsiasi plug-in falso che cercava di farli sembrare archivio. Volevo davvero un aspetto analogico.

LEDOUX MILLER: È fantastico!

NEVILLE: L’animazione in stile Lego viene con un manuale di regole. Ti danno un raccoglitore con ciò che sei autorizzato a fare in Lego. La principale limitazione è che tutto nel film deve essere costruibile con qualcosa che puoi acquistare proprio ora. Una delle aree in cui abbiamo davvero spinto Lego è stata il colore della pelle e dei capelli. Avevano un unico colore per la pelle nera e alla fine abbiamo sviluppato sette tonalità diverse. Abbiamo fatto un design per le trecce, e loro ci hanno detto che il problema era che si sarebbero potute staccare e un bambino avrebbe potuto soffocare con esse. Alla fine abbiamo lavorato con il loro team per realizzare queste acconciature, alcune delle quali stanno effettivamente producendo ora, il che è fantastico. Le nuove tonalità della pelle, Lego le sta davvero producendo adesso.

MANN: Abbiamo avuto un anno incredibile. Ci sono così tanti film fantastici in uscita in questo periodo, tutti animati, che stanno andando molto bene al botteghino. Sento che questo sta riportando la gente nelle sale. Se vuoi sentirti ispirato, basta guardare tutti qui e vedere ogni singola persona che rappresenta i film che sono qui. È un momento incredibile per l’animazione.

LEDOUX MILLER: Il nostro film parla di auto-evoluzione, ma alla fine si tratta di comunità. Moana va alla ricerca di altre persone attraverso l’oceano perché sa che costruire una comunità più grande porterà a un futuro migliore. Credo che ora più che mai, quel senso di unirsi e trovare persone che vivono in modo diverso da te, con cui puoi trovare una connessione comune, sembri qualcosa che appartiene al nostro momento storico. Le persone vogliono essere intrattenute, vogliono ridere e vogliono sentire qualcosa. Penso che questo significhi che il futuro per l’animazione è luminoso.

NEVILLE: Ho appena fatto una proiezione di Piece by Piece, e non dobbiamo radicarci troppo in ciò che sta succedendo ora, ma il film è stato proiettato in modo diverso dopo l’elezione di Trump. La gente me ne ha parlato in modo diverso, dicendo: “Era qualcosa di cui avevo davvero bisogno, un momento per riflettere sul potenziale umano, sulla creatività umana, sulla gioia della vita.” Questi sono film incredibili che tutti hanno realizzato qui, e parlano tutti di qualcosa riguardo lo spirito umano, con un modo positivo di guardarlo. Penso che l’animazione sia in realtà il tipo di narrazione più senza tempo, molto più del documentario. Questo è così prezioso al giorno d’oggi, poter realizzare questi film che parlano non solo a noi stessi, ma parlano agli altri, trasmettendo messaggi di valore umano, una visione condivisa di una comunità nel mondo in cui vivremo. Penso che tutti questi film lo facciano. Quindi, sai, adoro il lavoro che sta accadendo proprio ora.

SANDERS: Non voglio aggiungere altro, ma sono totalmente d’accordo. Penso che quest’anno, più che mai, l’animazione abbia davvero preso la leadership nell’intrattenere e confortare le persone. I film d’animazione sono un lavoro d’amore, ci metti tantissimo tempo. Ma ne vale assolutamente la pena, perché i film d’animazione resistono nel tempo. Superano l’età come niente altro.

Nick, Wallace è rimasto senza tempo, ha persino mantenuto lo stesso gilet. Dove speri che l’animazione vada in futuro?

PARK: Penso che ci sia spazio per tutti. Condivido molto ciò che hanno detto gli altri. Vorrei poter scrivere tutto quello che è stato detto. È stato davvero prezioso ascoltare tutti oggi. Ognuno di noi lo fa un po’ in modo diverso — ed è fantastico. Ma ricordo di essere stato ispirato da Robert McKee, che diceva che magari non lo sappiamo, ma andiamo al cinema per trovare significato e verità. È quello che stiamo cercando di fare tutti. Sul lato comico, adoro una citazione di Omero — quello greco, non quello dei Simpsons — che diceva: “Se è divertente, allora è vero.” Magari stiamo parlando di cartoni animati, animazione e personaggi buffi, ma possono esprimere grandi verità allo stesso tempo. La cosa intelligente è che credo che I Simpson abbiano fatto dire proprio quella frase a Homer in uno degli episodi.

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